En los primeros tiempos de la música se cantaba a una sola voz en oposición a la polifonia (monodia). En los primero tiempos de la iglesia ,hasta la aparición de la primera polifonia, se cantaba a una sola voz.
La música de la iglesia primitiva es, desde un principio, una música destinada al culto y que, está cargada de influencias. Por parte del músico helenístico, la iglesia tomó los medios y la práctica de instrumentos ; por parte del músico sinagogal , la melopea y la cantilación.
La melopea (melos= música, poieo = hacer) era la recitación larga sobre una nota terminada en breve cadencia que en la Edad Media recibe el nombre de initium.
La cantilación era la lectura del libro con un acento como de letanía cuyo ritmo está determinado por la prosodia de los versos. Este tipo de lectura era propio del ministro oficiante, en tanto que al pueblo o asamblea le quedaba un tipo de participación aclamatoria. De esta manera se forman dos tipos distintos de cantos:
-El canto responsorial ( del pueblo que responde ), del que saldrán los responsorios de la liturgia católica.
- El canto antifonalque se realiza distribuido entre dos coros que con la misma música repiten uno, después de otro, un mismo texto u otro distinto.
Figura de nota. Fórmula melódica ornamental añadida a los cantos litúrgicos. En el tranascurso de La Edad Media, con el fin de conseguir que el oficio pareciese más solemne, se tenia la costumbre de añadir a las antífonas y ciertos responsos vocalizaciones de recambio frecuentemente interminables, llamadas neumas. Estas vocalizaciones tan pronto se intercalaban entre ciertas palabras como se adptaban a la última sílaba. No tenían en si mismas ninguna significación. Un canon del Sínodo de Reims , en 1583, ordenó su supresión sin que se tocasen, no obstante, las propias melodías. Estas clases de neumas se usan todavía en ciertos países.
Concierto grotesco producido por la mezcla de ruidos discordantes y ejecutado a guisa de serenata a personas a quienes se quiere gastar una broma buslesca . en Algunos pueblos de España subsiste la costunbre de dar cecerradas a los viudos que se casan de nuevo. Este mismo nombre se utiliza para calificar despectivamente una música informe o mal ejecutada.
EL ORGANUM Se llama así la práctica de doblar una o varias veces el canto llano tradicional. Recibe varios nombres : Diatonía, discantus, contrapunctum, según que la voz añadida se contrajese a dos o que se añadiese una voz superior. La melodía descansaba sobre lo que se llamaba vox principalis, en tanto que la voz organalis discurría una quinta por debajo de aquélla. El ejemplo siguiente , tomado del Música Enchiriadis, del siglo X, nos muestra claramente lo que quiero decir. El canto llano está confiado al tenor agudo como vox principalis, con su transposición a su quinta inferior, llamado intervalo justo porque a él se acomoda muy bien la voz humana, a cargo del bajo , llamada vox organalis. Si estas dos voces se doblan ahora en octava, la principal hacia abajo por un bajo y la organalis por una voz alta, tenemos ya el ejemplo de una composición porlifónica a cuatro voces.
Santiago de Compostela y San Marcial, de Limoges, dentros importantes de peregrinación en Europa en la época medieval, tuvieron sus grandes escuelas de Música, así como otras grandes abadías europeas: St. Gallesn, París, Metz, Cluny.... El Congaudent Catolici de la catedral de Santiago es la pieza a tres voces más antigua de Europa, o por lo menos, la más antigua de las que se conocen. La más importante colección de organa además de los indicados, es el Tropario de Winchester, del siglo XI, con 164 composiciones ( alleluias, tractus, kiries y glorias) y cuyo estilo se difunde por todos los monasterios principales de Europa.
Texto de Hucbaldo "De institutione armonica" La consonancia es la mezcla calculada y armoniosa de dos notas, que se produce sólo cuando estas dos notas, ocasionadas por fuentes diferentes, se combinan en una sola unidad musical, como, por ejemplo, cuando cantan juntos un niño y un hombre, que, usualmente se llama organitatio.
CLASES DE ORGANUM En primer lugar nos encontramos con el "Organum purum, paralelo o estricto", que consiste en lo siguiente:
Consta de una voz principal (Vx) que es la melodía del canto llano, a la que le añadimos por debajo otra, llamada voz organalis (Vo, y que tienen un movimiento de cuartas, quintas y octabas paralelas. Dentro de este tipo de organum tenemos una variación que es el "organum cenvergente", que no es otra cosa que un organum purum, pero que las dos voces comienzan y acaban en unísono. Se desarrollan durante los años que van desde 900 al 1050.
Tenemos también el "Organum libre":
Se desarrolla entre los años de 1050 y 1150. Cada voz va libremente sin ajustarse a unas reglas como el purum, que iban las voces paralelas. Se da incluso la inversión de las voces: la voz oraganalis (Vo) va arriba, mientras que en este caso la voz principal (Vx) va abajo. Más adelante la Vx pasará a llamarse Tenor, y a partir de ahí se formará la clasificación de las voces humanas. Los movimientos de las voves eran de nuevo por intervalos de cuartas, quintas y octavas, que son los intervalos de consonancia. Las voces van buscando sus tesituras. A partir de aquí comienza a aparecer el contrapunto.
Por último tenemos el "Organum melismático":que consiste en que mientras que la voz oraganalis va produciendo varias notas, la voz principalis produce sólo una. Aparece en el soglo XII. Se conservan ejemplos de él en un manuscrito en la catedral de Santiago de Compostela y en otros tres de la abadía de Saint Martialde Limoges. En la actualidad se piensa que todos procedendel suroeste de Francia Este nuevo tipo de organum aumentó considerablemente la extensión de las piezas, y despojó a la voz inferior de su carácter original de melodía ya definida y sostenía a la melodía primcipal.
EL ORGANUM DUPLUM DE LEONIN Consta de dos secciones: sección organalis, de estilo silábico y neumático; y sección Discantus, de estilo melismático. La voz de abajo se llamará tenor (Voz principalis), que es la melodía del canto gregoriano en valores largos. Y la voz de arriba será Duplum, en la que se encuentran las dos secciones ya nombradas. Se le añade una Clausula, y se le pone un texto distinto, lo que recibe el nombre de ckausula con mot. Se independizan el Tenor y la clausula con mot y dará lugar al Motete.
LOS ORGANUM DE PEROTIN ORGANUM TRIPLUMLas voces se distribuyen de forma vertical y manera escalonada. Las voces por las que está formado son:
-Triplum, o tercera voz que es la más aguda -Duplum, o segunda voz -Tenor, o primera voz, que es la más grave
Las voces vecinas (triplum y duplum) deben ser consonantes (intervalos de cuarta, quinta y octava). Las voces extremas (triplum y tenor) pueden ir por intervalos de tercera y sexta (el de séptima está prohibido). Las tesituras de las voces no están definidas, por lo que se pueden cruzar, pero el Tenor siempre tiene que estar abajo.
ORGANUM QUADRUPLUMEs a cuatro voces. En este organum se va a producir intercambio de material melódico entre las voces. Es lo que se conoce como "técnica stimans".
Notación musical en relieve para uso de los ciegos.
Danzaterapia.
La danzaterapia nace de la danza en su forma más simple: de los movimientos naturales y espontáneos del ser humano. Es una técnica corporal que interrelaciona arte (danza) y ciencia (psicología) para la atención de problemas de salud y de aprendizaje en un proceso de integración psicofísica.
Toque de corneta militar que es ejecutado al amanecer en los cuarteles y campamentos con el que se anuncia el comienzo de los actos de servicio. El que en España usan los cuerpo montados es el siguiente:
BluesEl Blues es un género musical de Estados Unidos. A las orillas del Mississippi, alrededor de 1900, en un barrio llamado Storyville (abarrotado de locales de música en directo), los esclavos compraban instrumentos a los militares estadounidenses. Estos esclavos no tenían conocimientos musicales y tocaban los instrumentos simulando la voz humana. Con ello desarrollaron nuevas técnicas. Así empezaron a surgir las primeras bandas. El blues nace, principalmente, en las plantaciones de algodón del sur de Estados Unidos. Los esclavos traídos de África cantaban los llamados hollers, worksongs o "canciones de trabajo" que más tarde se convertiría en todo un género musical, el Blues. Estas "canciones de trabajo" cumplían varios objetivos, como transmitirse mensajes secretos entre ellos o intentar aplacar el dolor y el sufrimiento que suponía trabajar en las plantaciones de algodón o en la construcción de carreteras y ferrocarriles. Es una composición de doce compases de estructura sencilla con ritmos sincopados, de temática diversa. El Blues ha nutrido al nacimiento y al desarrollo de numerosos estilos musicales de hoy en día: desde el Jazz y el Gospel, pasando por el Rock and Roll, hasta el Soul y el Rhythm & Blues. Definición: Melódicamente, el blues está caracterizado por el uso de la tercera disminuida y el acorde dominante (llamadas nota de blues o "Blue notes") de la escala mayor. El uso de las "blue notes" y el uso de la técnica call-and-response (donde un instrumento suena, después otro lo hace en forma de respuesta), fueron los patrones que le dieron la distinción. La escala de blues es muy utilizada en otros tipos de música, como la música popular, en las baladas e incluso en las orquestas. En cuanto a letra se refiere, el blues consiste usualmente en una línea repetida dos veces y en la tercera línea, una frase para rimar, por ejemplo: Historia: Las primeras formas de Blues evolucionaron en el delta del Mississipi, en el sur de los EEUU, a finales del siglo XIX y comienzos del XX. Esta música se caracterizaba por el uso de instrumentos similares como la guitarra acústica, el piano y la armónica (conocida como el harpa del blues). Las canciones tenían una estructura y forma diferente la cual podía ser de 4, 8 o 12 compases (Twelve bar blues), siempre basados en la tónica, subdominante y dominante de la tonalidad. El blues prácticamente hablaba sobre los infortunios del compositor, muchas de las primeras letras eran muy realistas, lo cual contrastaba con la música de la época. Hacia el 1908, aproximadamente, el blues comenzó a sonar en New Orleans interpretado, obviamente, por bandas blancas. Por estas mismas fechas, W.C. Handy, tomó el blues y lo hizo respetable, pues el estudiado músico y compositor, se aferró a él, y lo popularizó de tal forma que hoy se le conoce como uno de los "padres del blues". Handy fue uno de los primeros en transcribir y en orquestar blues como si fuese una sinfonía, con grandes bandas y cantantes. Hacia el 1917-20, el blues era ya una realidad en todo EEUU, ya formaba parte de la música popular norteamericana, y con el crecimiento de la industria, también hubo crecimiento de intérpretes tales como Blind Lemon Jefferson y Blind Blake, quienes grabaron para Paramount, entre otros... Hacia el 1940-50, el nacimiento de los instrumentos eléctricos, las ciudades como Chicago, Detroit y Kansas, eran populares por su blues, y artistas como Howlin' Wolf, Muddy Waters, Jimmy Reed, Little Walter y John Lee Hooker se convirtieron en inmortales. Pero para esta época, debido a la evolución del blues, el rock n'roll comenzó a nacer... La música blues, más tarde, se convirtió en una música de orgullo, en una música sinónimo de derechos civiles, de la libertad de expresión, muchos movimientos llevaban al blues consigo y esto consiguió que hubiese un resurgimiento, una vuelta a las raíces, y es cuando aparecen nombres como Eric Clapton, Canned Heat, Janis Joplin, Jimi Hendrix, influenciados por el rock, pero siempre retomando sus inicios, llevaron el blues a la gente joven. Intérpretes destacados Robert Johnson (Uno de los primeros Bluesman con talento. La leyenda cuenta como supuestamente hizo un pacto con el Diablo, en una encrucijada a medianoche, para tocar la guitarra como un maestro. Años más tarde, siendo joven aún, murió en extrañas circunstancias, lo que hizo que el mito del pacto con el Diablo tomara mayor relevancia). Howlin' Wolf Muddy Waters Freddie King Albert King T-Bone Walker John Lee Hooker B.B. King (Blues boy, este apodo surgió cuando estuvo trabajando en una emisora de radio en la cual él ponía música: sólo blues). Stevie Ray Vaughan (Bluesman por excelencia. Uno de los máximos exponentes de este estilo, caracterizado por la pasión de sus temas, un excepcional dominio de la guitarra eléctrica y la expresividad que demostraba en sus conciertos. Con su muerte, en un accidente de helicóptero, el Blues perdió a un gran guitarrista). Roben Ford Dr. John Taj Mahal Albert Collins John Mayall Eric Clapton (Slow Hand, este apodo surgió debido a que siempre era el que más excusas ponía para pagar las rondas en los bares). Bueno creo que la verdadera historia es que Slow Hand viene de una frase hecha: "slow hand clap" significa aplaudir a algo que te aburre... en definitiva más o menos quiere decir que en el movimiento de sus manos no se muestra esfuerzo. Mejor preguntad a alguien de procedencia inglesa. Otra posible procedencia de este apodo son las lentas palmadas con las que se acompañaba a Clapton mientras cambiaba las cuerdas de su guitarra en pleno concierto, algo común ya que solía romperlas debido a la furia de sus interpretaciones.
La mano izquierda va saltando , hace el bajo y una triada , usa casi siempre una triada , acordes diatónicos. La mano derecha va llevando una melodía con bastantes síncopas y algun contratiempo. Ver estos artículos: Síncopas. Contratiempos. Pinchar en teoría musical .(categorías). El rítmo es siempre igual, Bastante rápido. Las figuras que usan son corcheas y semicorcheas. Primero hay que hacerlo muy lento para ir luego más rápido.
La música que llamamos jazz, surgió bastante antes que el disco; sin embargo, desde el ultimo cuarto del siglo XIX, el jazz estaba incubándose en el estado sureño de Louisiana (EE.UU.) en torno a un proceso largo y complejo que intentaba superar la rigidez rítmica y adquirir el sello del swing. Uno de los elementos genealógicos mas decisivos junto al blues, que no ha dejado de estar presente a lo largo del jazz, fue el ragtime. Los rags, aunque se tocaban sobre toda clase de instrumentos, fueron esencialmente una especialidad de pianistas. Su apogeo se sitúa entre finales del siglo XIX y las dos primeras décadas del XX. Los rags era una música de procedencia europea con un estrecho parentesco con los bailes y marchas entonces en boga. En una época en la que aun no se había expandido el fonógrafo, los rollos de pianola sirvieron para difundirlo.
En realidad el ragtime no puede ser considerado como jazz. Los rags estaban totalmente escritos y excluían la improvisación, pero constituyeron un punto de partida clave para la aparición de los primeros estilos pianísticos de jazz, en particular el estilo stride. Los pianistas criollos y negros de aquella zona, cuyo eje geográfico era New Orleáns como consecuencia del cruce de culturas (española, francesa, anglosajona y africana) desarrollaron sus acentuaciones rítmicas y la independencia entre ambas manos sobre el teclado sirvió para comenzar a introducir variaciones. La incorporación de la tradición del blues y el hecho de tener que tocar para el baile favorecieron paulatinamente el desarrollo del piano-jazz, inequívocamente orquestal.
Corresponde a James Price Johnson (1881-1955) el merito de haber sido el máximo artífice entre la evolución del ragtime al jazz. Sus primeras composiciones de 1917 todavía se situaban en la orbita del ragtime, pero fue a partir de la grabación del celebre "Carolina Shout" -pieza que determinó la vocación pianista de Duke Ellington- cuando se distancia con sensibles diferencias de sus precedentes versiones en rollos de pianola. El jazz estaba ya preparado para experimentar el gran salto de una música bailable y entretenida a una manifestación musical de enorme potencial, y James P. Johnson sintió ya en los años treinta, que la música que hacia pertenecía al pasado, pero sus manos inspiraron, décadas mas tardes, a figuras del jazz de la talla de Fats Waller, Willie "The Lion" Smith, Count Basie, Duke Ellington, Art Tatum e incluso a Thelonious Monk.
Breve oración cantada derivada de las costumbres civiles de la antigüedad y que se introdujo en las iglesias cristianas en los primeros siglos del Cristianismo. Consistía en una sucinta fórmula de voto de alabanza, que ordinariamente se r`petía tres veces. La más célebre es la aclamación sobre las palabras : Christus vincit, Christus regnat, Christus imperat, que se encuentra junto a diversos textos en un gran número de manuscritos litúrgicos de la Edad Media.
Pieza musical que se repite a intervalos regulados la primera frase o estribillo; las demás frases se llaman estrofas, coplas o, en Francia couplets. Procede de la forma poetica rondel o RONDELLUS, popular en la Edad Media, y a menudo cantada y formada con intercalaiones, es decir, que en ella un verso o un motivo oidos ya al principio son reiterados en estribillo con o sin variantes y adornos,entre las estrofas o episodios sucesivos. Se pueden comprobar que, a partir del siglo XIV, la ESTAMPIDA,, danza instrumental, presenta la forma instrumental de rondeau; esta forma estuvo en uso hasta fines del siglo XVIII aproximadamente, en que se fundió con el rondó. Las suites y las sonatas primitivas presenta a veces un rondeau I y un rondeau II: ésta está en menor, y le sigue una repetición del I o bien un rondeau con variaciones. Consiste en un tema principal muy contagioso (A) y varios laterales (B,C,D, etc) que se agrupan del modo A-B-A-C-A-D-A o parecido. El constante retorno al tema A es la característica esencial del rondó. Su carácter es siempre ligero y alegre. (Ejs.: últimos movimientos de conciertos para piano de Mozart o para violín de Paganini)
Forma instrumental primitivamente análoga al rondeau francés, pero combinada por Haydn, MOZART y Clementi con la del movimiento de forma sonata. Mozart adoptó , en la segunda mitad de su carrera, la forma del rondó para terminar sus concertos, pero en dos acepciones; en primer lugar, como una serie de pequeñas divisiones melódicas, siempre renovadas y más tarde, como una pieza con repeticiones e intermedios, uno de los cuales estaba en tono menor.
Forma latina de la palabra RONDO. Nombre primitivo del canon. Llamábase también rota , para expresar su plan circular. pieza armónica mencionada en la Edad Media por W. Odington (hacia 1250-1320) y en la que una melodía ,todo lo más bella que sea posible, con o sin texto, pasa y vuelve a pasar, en estado directo o inverso, de una a otra de las dos o tres voces. En el germen del canon, cuyos ejemplos más antiguos llevan este nombre.
Milonga. Canto popular muy corriente en la repúblicas sudamericanas, que se canta con acompañamiento de guitarra. Es de origen español , pues entre el fondo, que constituye el repertorio del género flamenco de Andalucia, existe un canto con esta misma denominación , cuya tonada presenta alguna relación o parecido con la saeta. La milonga americana está en ritmo binario o compás 2/4, y tiene algún punto de contacto con el de la habanera . Su aspecto musical es el de una canción somnolienta, de movimiento lento, proveniente de la forma rítmica de su acompañamiento. FUENTES : DICCIONARIO DE LA MUSICA , MICHEL BRENET
Origen: la milonga campera
El origen de la milonga (milonga campera) se suele discutir. Se sabe, sin embargo, que contiene elementos afro en su constitución rítmica e influencias de danzas criollas y europeas llegadas a Buenos Aires y Montevideo a través de varias vías, principalmente de Perú, España, Brasil y Cuba. Se daba en aquella época el fenómeno que se conoce como "de ida y vuelta" ya que los géneros viajaban de América a Europa y viceversa sufriendo transformaciones y adaptaciones en cada región.
Diferencias con el tango
Aunque tanto la milonga como el tango están en compás de 2/4 o 4/4, las 8 corcheas de la milonga están distribuidas en 3 + 3 + 2 en cambio el tango posee un ritmo más «cuadrado». Las letras de la milonga suelen ser picarescas.
En la liturgía católica , se denomina así al texto de las tres primeras lecciones del oficio de Maitines para los tres últimos días de Semana Santa, llamado vulgarmente Tinieblas que está tomado de las Lamentaciones de Jeremías. Sus nueve parte sucesivaso lecciones se distinguen por la serie de las letras hebreicas aleph, beith, etc. Se canta sobre una fórmula salmódica especial escrita en la edicción benedictina de Solesmes según las fuentes antiguas. Desde el siglo XV se compusieron obras polifónicas para ser utilizadas en la celebración del oficio de Tinieblas, y el impresor Petrucci publicó una colección de ellas en Venecia, en 1506. En la que imprimieron en París Le Roy y Ballard en 1557 figuran, junto a las obras de Arcadelt, Fevin,, P. de la Rue y Claudin de Sermisy;; las lamentaciones compuestas hacia 1515 por Elzeart Genet, llamado II Carpentrasso, para el servicio de la Capilla Pontificia, en el que estuvieron en uso hasta la aparición del libro de lamentaciones dedicado a Sixto V(1599) por Palestrina.. Después de este compositor, el repertorio litúrgico de Semana Santa fue enriquecido por lamentacionesy responsos por Vittoria, Ingegnieri, Allegri, Biordi, etc. La elección de los cantos ejecutados en la Capilla Sixtina fue varias veces cambiada por orden de los soberanos Pontifices, hasta que, en 1815,Boini estableció una nueva tradición , que fijaba para el Miércoles Santo la ejecución de las lamentaciones de Palestrina; para el jueves , de las anónimas atribuidas a este compositor, y para el Viernes , de las de Allegri. En las celebraciones del oficio de Tinieblas instituidas en París en 1894 por los cantores de San Gervasio, sobre el modelo de la Capilla Sixtina, las lamentaciones son cantadas en canto gregoriano y los responsos con la música de Tomás Luis de Victoriao la de Ingegnieri, atribuida mucho tiempo a Palestrina. Se ha dado a veces , el título de lamentaciones a obras no litúrgicas, la más célebre es sin duda la bella cantata semirreligiosa y semipolítica de Gounod,Gallia (1871)
Pequeña composición vocal profana, generalmente a tres voces. J. Celano publicó, en 1582, un libro entero de napolitanas; S. Cornet , 1563, uno a cuatro voces, y en los libros de Villotte o de Azzaoilo (1557) de B. Donato (Canzon Villanesche alla Napolitana) a cuatro voces en 1551 (V. Villanela); de Ferretti (Canzone alla Napolitana ) a seis voces, a cinco voces , después de 1565 poco más o menos y J.Macque, a seis voces (1581 y siguiente).Ir a Villanella
Voz artificial que corresponde en el hombre a la voz de cabeza de la mujer, que aquélla imita. Este timbre especial se produce por una disposición particular de la hendidura glótica, que durante el acto de cantar en falsete, se halla estrechamente cerrada en su parte posterior. Los limites de la voz falsete cambian según los individuos. En las antiguas composiciones religiosas, casi toda la parte del soprano o de contralto era interrumpida por voces masculinas en falsete.
José Luis
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Falsete El falsetto, o falsete en castellano, es una técnica vocal que se utiliza para alcanzar notas agudas más allá del registro normal del cantante, y también para dar registros agudos dentro del normal, pero con un volumen bajo.
Suele ser una voz menos potente, pero con un efecto sonoro impactante. No sólo se utiliza en el canto clásico, sino también en el "pop" y el "rock".En los graves el falsete recuerda un "hilo de voz", en los agudos (que suenan con más potencia) es una mezcla entre cantante de ópera y cantante de "rock" en un momento álgido de su actuación.
Un ejemplo claro de cantante en España que utiliza el falsete es Camilo Sesto en "Getsemaní"; si se escucha atentamente, en la canción hay tres momentos claros donde hace uso de esta técnica. Otro ejemplo significativo de un cantante que emplea y posee una increíble ejecución de esta técnica es Eric Martin, del grupo de Hard rock Mr.Big
También se refiere al miembro honorifico del llamado "Team Vodka" Raul Povedano por sus historias fantasiosas sobre mujeres agraciadas con el don de la simpatía que no con el de la belleza.
Discos de jazzLOS MEJORES DISCOS DE JAZZ El jazz en los años veinte Los años del swing: la década de los treinta La revolución de los años cuarenta y cincuenta Formas renovadas en los sesenta y setenta El regreso del jazz: de los ochenta al nuevo siglo ¿ Por qué 100 Discos? ¿Y no, doscientos, o cincuenta? ¿Que quiero decir con los mejores? Advierto al visitante que ésta es un página absolutamente subjetiva. Aquí no hay posibilidad de consenso ni acuerdo previo. El único y confesado objetivo es mostrar a quien se asome a esta ventana los mejores discos de jazz de mi colección que, en algún caso, coincidirá con el criterio de los "especialistas" en la materia y que en otros, el hecho de aparecer, se deberá a mis preferencias personales. En otro lugar de esta web irán apareciendo todos los discos de mi colección, aquí sin embargo, traeré aquellos 100 que tanto por ser mis preferidos, como por marcar, en orden cronológico, una cierta historia del jazz, deben de estar, en mi modesta opinión, en cualquier discografía de jazz que se precie. Ni la música, ni ninguna de las artes, admiten, afortunadamente, valores absolutos y claves definitivas. Por eso es adecuado preguntarse ¿Los mejores discos para qué y para quién? En mi opinión los discos que aparecerán en esta sección responden certeramente a esta doble cuestión. Son los mejores para entender la evolución del jazz y son los mejores para mí gusto personal. En cualquier caso, esta página no serviría para nada si no ayudara a quien la leyere a disfrutar más y mejor del jazz y la ordenación cronología de esta selección -por encima de la clasificación por estilos que aparece frecuentemente superpuesta y confusa- sirve para ayudar tanto a quien sea un iniciado en estas lindes -que podrá navegar a su antojo dando pasos y saltos en el tiempo- como a quien prefiera empezar desde el comienzo.
Para ello empezamos en los años veinte, cuando el jazz se veía como una música popular que necesitaba ser apadrinada por la música europea. Continuamos en los años treinta cuando se dio la circunstancia inversa; se hablaba del jazz como un eslabón cultural de la etnia afroamericana en grave peligro de extinción por la influencia de los músicos blancos reinantes en la era del swing.
La revolución del bebop en los cuarenta y cincuenta obedeció a ese golpe de timón que los negros de Harlem pusieron en practica. En los sesenta afloraron discursos que trazaban en términos políticos el jazz de los negros y el de los blancos -siempre en detrimento de estos últimos- y que consideraban al freejazz la expresión musical mas coherente con las reivindicaciones de los negros norteamericanos.
Después en los setenta y en los ochenta, cuando parecía que el jazz iba a disolverse en el dulce veneno de la comercialidad - la fusión desde un punto de vista estético fue un punto de no retorno- surge un movimiento tradicionalista que empuja al jazz a una segunda época dorada. Es cierto que al principio aquellos músicos pecaban de ser poco originales en sus ideas, pero no lo es menos, que aquella vuelta a los orígenes y a la tradición, devolvió el jazz a la categoría y rango en algún momento perdida.
El jazz que escuchamos hoy, los músicos que están en el candelero, deben parte de su éxito a aquellos jóvenes de finales de los ochenta que en una tarea ingrata y poco reconocida devolvieron al jazz el potencial que hoy -un siglo después- sigue teniendo.
Entre estos cien discos, hay músicos que se repiten. No es una elección premeditada, sino la constatación de que Duke Ellington, Louis Armstrong, o Miles Davis -por poner algunos ejemplos- son músicos cuya influencia y carrera artística son invocados como el cruce entre los dos pilares del jazz: el instinto creador y la búsqueda de lo nuevo. Espero que disfrutéis de estos discos y os aconsejo vivamente que os hagáis con ellos.
Reunión de fragmentos de origenes diversos y que pueden yuxtaponerse ya sea para obtener un efecto cómico, ya sea para reunir alusiones a un mismo tema. Así , la Edad Media conoció la fatraise , puramente melódica, y más tarde la fricasée, de orden polifónico, a la que llamó tambien cuodlibeto. el término por-pourri, en su sentido musical, parece nacer en el siglo XVIII. La tercera recopilación de Brunettes, publicada por Ballard en 1711, contiene una pieza muy larga titulada Pot-pourry, que ocupa diez páginas , y cuyo texto contiene 84 versos, con los temas escritos en notación y yuxtapuestos, justamente con canciones sin enlace. Bajo este titulo se encuentra en 1790 Le serment civique, pot-pourri national para piano forte erc. por Pouteau ; en 1793,La revolution du 10 Août,,bajo el mismo calificativo, por Lemière, etc. En el siglo XIX , los potpourris extraídos de óperas y arreglados como fantasías para piano estuvieron muy en boga.
josé luis
La Compagnie Créole - Pot Pourri - Les Années Bonheur -
En los primeros tiempos de la música se cantaba a una sola voz en oposición a la polifonia (monodia).
