Para empezar a improvisar en el piano recomiendo este libro de John Mehegan. No obstante hay muchos en el mercado yo he empezado este en el que hay muchos acordes, como se hacen, y algunas formas para improvisar . Para los que empezamos hay que llevarlo con tranquilidad, y como digo siempre saber donde estamos, si haces un acorde saber si es mayor , si es menor, en que tonalidad estas, mirar si lleva notas extrañas que no pertenecen a la escala diatónica, en una palabra investigar bien el acorde que haces así te será más facil que no se te olvide.
Es un estilo de jazz con predominio de los instrumentos de metal y de la improvisación. El estilo Nueva Orleans ,también llamado dixieland, aparece a principios del siglo XX y se mantiene hasta la época de los años treinta.
Tiene una información bastante concreta. Tres instrumentos destacan sobre los demás: la trompeta, el clarinete y el trombón. El ritmo y la base armónica corren a cargo del contrabajo, la batería, el banjo y el piano, aunque muchas veces toman un papel protagonista (interpretado solo improvisados).
Generalmente este tipo de música se toca en la calle, incluso se utiliza para desfilar. En algunas ocasiones , los instrumentos más pesados e imposibles de transladar al aire libre, como el piano, el contrabajo o la batería, se sustituyen por la tuba e instrumentos mas pesados de percusión, como la caja y los platillos.
La música que llamamos jazz, surgió bastante antes que el disco; sin embargo, desde el ultimo cuarto del siglo XIX, el jazz estaba incubándose en el estado sureño de Louisiana (EE.UU.) en torno a un proceso largo y complejo que intentaba superar la rigidez rítmica y adquirir el sello del swing. Uno de los elementos genealógicos mas decisivos junto al blues, que no ha dejado de estar presente a lo largo del jazz, fue el ragtime. Los rags, aunque se tocaban sobre toda clase de instrumentos, fueron esencialmente una especialidad de pianistas. Su apogeo se sitúa entre finales del siglo XIX y las dos primeras décadas del XX. Los rags era una música de procedencia europea con un estrecho parentesco con los bailes y marchas entonces en boga. En una época en la que aun no se había expandido el fonógrafo, los rollos de pianola sirvieron para difundirlo.
En realidad el ragtime no puede ser considerado como jazz. Los rags estaban totalmente escritos y excluían la improvisación, pero constituyeron un punto de partida clave para la aparición de los primeros estilos pianísticos de jazz, en particular el estilo stride. Los pianistas criollos y negros de aquella zona, cuyo eje geográfico era New Orleáns como consecuencia del cruce de culturas (española, francesa, anglosajona y africana) desarrollaron sus acentuaciones rítmicas y la independencia entre ambas manos sobre el teclado sirvió para comenzar a introducir variaciones. La incorporación de la tradición del blues y el hecho de tener que tocar para el baile favorecieron paulatinamente el desarrollo del piano-jazz, inequívocamente orquestal. No obstante se ha discutido durante bastante tiempo sobre la relacciones entre el ragtime y el jazz pero es una mera elubrucación.
Scott Joplin es la principal figura del ragtime ,alguna de sus obras han desaparecido ,por ejemplo Aguest of honor (ópera). Existe abundante documentación sobre su obra (ragtimes, en versión de piano u orquestal, valses ,óperas o ballets) ya intentando introducirse en lo que sería un afianzamiento de la tradición afroamericana, con algunos trazos Europeos.. No en vano .el boogie woogie o el piano stride beben de esa fuente que es el ragtime.El ragtime ha sido revisado a menudo por autores como Erik Satie,por el encanto que ofrece, y el ritmo sincopado que se escucha. Corresponde a James Price Johnson (1881-1955) el merito de haber sido el máximo artífice entre la evolución del ragtime al jazz. Sus primeras composiciones de 1917 todavía se situaban en la orbita del ragtime, pero fue a partir de la grabación del celebre "Carolina Shout" -pieza que determinó la vocación pianista de Duke Ellington- cuando se distancia con sensibles diferencias de sus precedentes versiones en rollos de pianola. El jazz estaba ya preparado para experimentar el gran salto de una música bailable y entretenida a una manifestación musical de enorme potencial, y James P. Johnson sintió ya en los años treinta, que la música que hacia pertenecía al pasado, pero sus manos inspiraron, décadas mas tardes, a figuras del jazz de la talla de Fats Waller, Willie "The Lion" Smith, Count Basie, Duke Ellington, Art Tatum e incluso a Thelonious Monk.Escuchar ragtimes de Scott Joplin
Maple Leaf Rag The Entertainer (se escucha en la pelicula El Golpe) Es lo primero que hay que escuchar para introducirse en el jazz. El que escucha jazz por primera vez no lo entiende. Se necitan muchas horas para que te vaya gustando, si aprendes un poco de música :teoría, algún instrumento etc. comprenderás todas las músicas. Para escuchar cualquier música tendrás que mirar muchas cosas o sea escucharlas: Tiempo de la obra, timbre (que instrumentos tocan), velocidad de la obra, forma musical (cha,cha,cha, sinfonía, suite, çopera, rock, ) . En cuanto que aprendas muchas cosas de música te irá gustando más. Toda la música tiene un algo especial que te llena, es el alma de la música, muchas obras tienen un alma especial que llenan más que otras. El ragtime a mi me impresiono mucho e indague a ver de donde venía ,como se toca en el piano (es muy fácil a simple vista pero muy dificil de interpretar). Ya lo explicaré en otro artículo : Ejecución de un ragtime al piano. (cuando el curso de piano esté avanzado).
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lunes, 12 de diciembre de 2011 | 20:33
tuve que hacer un trabajo sobre eso y gracias a ti he sacado un 9´5!!! muchas gracias!te lo agradezco mucho. De todo corazón GGGRRRRAAACCCIIIAAASSS!!!
Lionel Hamptol Como la mayoria de músicos de Jazz, Lionel Hampton llega a su clima cuando actúa en directo frente a un publico. Jamás ningún auditorio fué más entusiasta que aquel que llenó el Pasadena Civic Auditorium la noche en que esta sesión fué grabada.
Lionel Hampton, (1909-2002), demostró a lo largo de ocho décadas, ser un verdadero grande del jazz, un músico excepcional dotado de una arrolladora energía para convertir en swing todo lo que su mente creaba. Preñado de vitalidad, con un espíritu siempre inquieto y creativo, elegante y vigoroso al mismo tiempo, Lionel Hampton, fue mientras vivió un músico de extraordinaria calidad.
Además su legado al jazz es imperecedero. Fue el primero en aportar a esta música de un nuevo instrumento nunca usado en el jazz antes de que el lo hiciera y este instrumento fue el vibráfono. Su juventud no fue lo apacible que él hubiera querido y después de deambular junto a su familia por varias ciudades, llegó a Chicago en 1916 y su instrumento entonces era la batería. En la ciudad del viento, se integró en la banda de Jimmy Bertrand, denominada: "Chicago Defender Newsboy's Band". Profundizó su interés por el jazz y por la música y comenzó a trabajar en varias locales de segunda categoría y en bandas de escaso renombre como la de Curtis Mosby o Paul Howard pero le sirvieron para ganar experiencia y madurez.
Con esta última formación se trasladó a California en 1928 y allí se unió a la formación de Les Hite, durante el tiempo que esta banda actuaba de telonera de la orquesta del gran Louis Armstrong en Los Ángeles. Fue en uno de esos encuentros con Louis Armstrong, cuando este le animó a que tocara en uno de sus conciertos el vibráfono y desde entonces y dado el gran éxito que tuvo, Hampton, abandonó para siempre la batería y adopto el vibráfono, el instrumento con el que pasaría a la historia del jazz.
En el verano de 1936, el recientemente proclamado "Rey del swing", el clarinetista y director de orquesta, Benny Goodman, presenció una actuación en directo de la banda de Hampton en un local de Los Ángeles y le convenció para que se uniera al pequeño grupo que había formado. Hampton formó desde entonces en las históricas formaciones en trío y cuarteto de Benny Goodman, junto al pianista, Teddy Wilson y el batería, Gene Krupa, que Goodman inmortalizó en sus conciertos en directo , en las emisoras de radio y en las giras por todos los Estados Unidos. Con Goodman estuvo cuatro años hasta que decidió, ya con un reconocimiento internacional por su música, formar su propia banda de jazz, una formación que siempre estuvo entre las mejores de su tiempo y por la que pasaron enormes instrumentistas que hicieron historia a lo largo del tiempo: Clifford Brown, Charles Mingus, Dinah Washington, Illinois Jacquet o Dexter Gordon, entre otros.
Su banda se mantuvo unida y en activo a lo largo de varias generaciones, sus visitas y giras por los festivales y clubes de jazz de todo el mundo eran siempre garantía de éxito y de swing y tiene el honor de haber sido la orquesta de jazz que ha permanecido mas tiempo en activo de toda la historia del jazz. Desde el punto de vista de la música, son imperecederos algunos temas que se han convertido en standars clásicos de esta música y cabe destacar: "Flyng Home" "Hots Mallets" o "Hamp's Boogie Woogie".
Lionel Hampton, falleció a finales del verano de 2002, y con él se fue uno de los grandes creadores del jazz de todos los tiempos.
Cortesia de Apoloybaco. Jazz, vino y literatura. (mis enlaces)
La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor.
Tocando un ragtime. Para lograr esta ejecución hace falta muchos años de estudio en el piano. Con el ragtime se siente uno volando en el piano, acordes, movimiento de la mano izquierda, síncopas, contratiempos, velocidad de la mano derecha, ritmo endiablado, ligados con notas semicorcheas, mucha expresión dando a las notas el stacato necesario y en el lugar adecuado.... <
EVANS GIL Arreglista de grabaciones históricas sobre todo de Miles Davis. Grabaciones: Porgi and Bess o Sketches of Spain. Hay quien lo compara con Duke Ellington. Incluyó nuevos instrumentos a las orquestas, creó más sonoridad a las obras , obligó a realzar el conjunto de la orquesta para delimitarlo del trabajo uniforme de cada sección. Trabajó para otro músicos como la cantante Helen Merrill, el guitarrista Kenny Burrell. Fue tambien gran pianista : dueto con el saxofonista : Steve Lacy.
Obras: Live at Sweet Basil ( Gil Evans se adentra en el repertorio de Jimi Hendrix y Charles Mingus) Collaboration ( con Hellen Merill) The individualism of Gil Evans.
El jazz vocal constituye por si solo una amplia panorámica dentro del extenso universo del jazz. No obstante, son los instrumentistas, quienes han hecho crecer y evolucionar el jazz en los momentos decisivos, y cualquier análisis sobre las grandes voces del jazz, no deben obviar esa realidad. Es muy difícil encontrar cantantes de jazz cuya esencia pertenezcan por completo al jazz: Louis Armstrong, Billie Holiday, Ella Fitzgerald, o Jimmie Rushing, son algunos ejemplos. La gran mayoría son solo cantantes populares que musicalmente hablando, cantan jazz.
En los orígenes del canto jazzistico, está como casi en todo, el blues. Es el blues folklórico y rural, cantado en los campos de algodón y en las plantaciones rurales por los esclavos procedentes del continente africano, en las prisiones y en los caminos, el que se usa para expresar el dolor, el abandono, la adversidad, la desesperación o cualquier otro sentimiento personal y social. A la esclavitud, sucedió la segregación racial, y con ella, la intensa corriente migratoria llevó a la población negra a los ghettos de las grandes ciudades a finales del siglo XIX. El blues viajó con ellos y se hizo urbano. Ese canto se difundió no solo entre tabernas y lupanares, sino que el mundo del vodevil, el cabaret y el teatro se hicieron eco de ese canto llevando el blues a las comedias musicales negras de Harlem y Broadway. Cuando las cantantes negras de la época: Mamie Smith, Gertrude "Ma" Rainey, Bessie Smith, o Ethel Waters se desprendieron del manto opaco del vodevil, pusieron los pilares que sostienen todo el canto jazzistico que hoy conocemos. Luego llegó Louis Armstrong, ya convertido en un genial cornetista, innovador y eje básico del jazz moderno. Su aportación a la música vocal fue adaptar su voz -nada privilegiada por otra parte- a los ritmos que ya había conseguido con su instrumento. La voz quebrada y el registro de su corneta, gozaban de una misma maestría rítmica, un dominio creativo de la tensión y la distensión (el swing), de los acentos, las sincopas y las pausas que es lo que constituye en última instancia la excelencia del cantante de jazz.
Billie Holiday, Ella Fitzgerald y Sarah Vaughan -para mi, por este orden- ocupan en términos de prestigio, la cima del jazz vocal femenino. Billie Holiday adoptó el fraseo de Louis Armstrong y el temperamento expresivo de Bessie Smith para convertirse en una cantante inigualable en los tiempos medios, redistribuyendo sus acentos y pausas dentro de los limites de la canción; Sarah Vaughan, utilizó su potente registro vocal para aproximarse a una canción como lo haría un instrumentista de viento; y Ella Fitzgerald, además de ser la cantante que mas ha calado entre el gran público, consiguió que el "scat" se convirtiera en una herramienta musical completa y autosuficiente. Gentileza de vino ,jazz, y literatura.
Frank Raúl Grillo, nombre verdadero de Machito, nace en La Habana, (Cuba) el 3 de diciembre de 1906. Creció escuchando jazz y música popular cubana, y comenzó a cantar cuando todavía era un adolescente. Entre 1928 y 1937, Machito actuó con muchas de las orquestas de baile más populares de Cuba, entre ellas el Sexteto Occidente de María Teresa Viera y el Sexteto Nacional de Ignacio Piñeiro. Fue en este período cuando conoció al compositor, arreglista y multi-instrumentista Mario Bauzá. Desde entonces, y durante las décadas siguientes, Machito y Bauzá trabajarían juntos, conformando un binomio que revolucionaría la música latina.
Machito, llega a Nueva York en octubre de 1937, hallando un puesto como cantante en un grupo llamado La Estrella Habanera. Durante los dos años siguientes, Machito, grabó con el "Cuarteto Caney" y la Orquesta Hatuey. En 1939 Mario y Machito intentaron formar una orquesta, pero fracasaron. Durante una sesión realizada en 1941 en la que participó un joven baterista de nombre Tito Puente, Mario y Machito realizarían sus primeras grabaciones "Sopa de Pichón" y "Tingo Talango", todo un éxito en el mercado latino. Machito y Bauzá querían combinar la música cubana con la que habían crecido, con los sonidos del jazz que por aquél entonces se hacía en Nueva York, y a Mario se le ocurrió que un nombre apropiado para esa combinación podría ser "Afrocubano".
Finalmente, el sueño se haría realidad en 1943, cuando grabaron "Tanga", tema considerado como la primera grabación de jazz afrocubano. De allí en adelante, la agrupación de Bauzá y su amigo Frank sería conocida como 'Machito y sus afrocubans'. El Jazz Afrocubano tendría su gran presentación en sociedad el 24 de enero de 1947, cuando Fred Robbins, incluyó a los Afrocubans de 'Machito' en la presentación que haría esa noche Stan Kenton, en el Town Hall de la ciudad. Dos semanas después de esa noche apoteósica, la banda de Stan Kenton, grabaría un tema titulado 'Machito', en su honor. Durante los primeros años 60's, la las flautas y violines dominaban la fiebre de la charanga y la pachanga, pero Machito continuaba grabando discos con su característico sonido de cañas y bronces. Entre 1965 y 1969 predominó la moda del boogaloo y de allí en adelante hubo un dominio de pequeños grupos musicales que utilizaban el formato del conjunto típico, lo cual llevaría al gran boom de la salsa. El 5 de enero de 1975, la banda de Machito, en compañía de Dizzy Gillespie, interpretó en vivo en la Catedral de San Patricio de Nueva York, la suite 'Oro, Incienso y Mirra' original de Chico O'Farril; poco después grabaría junto al mismo Gillespie 'Afro Cuban Jazz Moods', álbum nominado al Grammy ese mismo año.
Mientras Machito, se hallaba en Londres con ocasión de una actuación en el Ronnie Scott's Club, sufrió un ataque al corazón, falleciendo cinco días después víctima de una hemorragia cerebral. Con posterioridad a su muerte, fue estrenado el documental: 'Machito, A Latín Jazz Legacy', dirigido por Carlos Ortiz y con la participación de Dizzy Gillespie, Ray Barretto, Tito Puente y Charlie Parker. Se estrenó en Noviembre de 1987 y transmitido en las Islas Británicas en el famoso Canal 4 en enero de 1989. Machito será siempre recordado como el Padrino del Jazz Afrocubano.
En los años setenta, cuando daba la impresión de que el jazz -raquítico y enfermo- iba disolverse en el movimiento azucarado y simplón que caracteriza a las músicas comerciales, el análisis dominante de la época subrayaba el carácter mestizo de esta música y desacreditaban los prejuicios racistas de blancos sobre negros y viceversa, al tiempo que apuntaban la necesidad del reencuentro del jazz con las raíces populares, supuestamente perdidas en los años anteriores con el freejazz por un exceso de elitismo. Ahí, en ese momento histórico nació la fusión. Hoy en día tampoco se sostiene este punto de vista. Con el paso del tiempo ha quedado claro que las fusiones no constituyen la corriente principal del jazz de los últimos lustros; mas bien al contrario.
La fusión en el jazz, consiste en realidad en un punto sin retorno originador de otros estilos musicales, como muy bien se ocuparon de demostrar antes que nadie sus primeros y antiguos abanderados (Herbie Hancock, Chick Corea y Freddie Hubbard entre otros). Si alguien lo duda, ahí está para corroborarlo la fusión de mediados de los años cuarenta cuando músicos de formación jazzistica como Ray Charles o Bill Dogg,Louis Jordan,ett, se fueron inclinando hacia el rhythm and blues, el soul, el rock and Roll u otras formas de música popular menos intrincadas que el jazz. El fenómeno de la fusión fue sin duda la consecuencia de una tendencia lógica e inevitable hacia las hibridaciones en el seno de una música exclusivamente negra que ya se ha permitido toda clase de cruces raciales.
El jazz ha seguido a pesar de los múltiples movimientos hacia otras músicas: en los cuarenta con la música cubana; a finales de los cincuenta con el rhythm and blues y el soul; en los sesenta con la música brasileña que dio lugar a la bossa nova, y en los setenta con el jazz rock que nace con el disco de Miles Davis: "In a Silent Way" , otros derroteros. Y aunque conserva abundantes indicadores de dichas fusiones, continua evolucionando dentro de su propio marco y conservando sus propias y sólidas señas de identidad
Para saber jazz hay que escuchar música de jazz. Primero con ragtime ,primera época del jazz:
SCOTT JOPLIN Scott Joplin (1868-1917) fue uno de las figuras pioneras de la música afroamericana. Su música ha interesado a infinidad de compositores de diversos estilos y en la fuente de los "rags" han bebido estilos musicales tan distintos como el "Boogie Woogie" o el "stride". El ragtime es la muisca que cronológicamente y genealógicamente precedió al jazz y de hecho es una de las fuentes -no la única, ni la mas importante- del jazz.
De Scott Joplin se conoce que sus primeros pasos musicalmente hablando, fueron en la ciudad de St. Louis cuando alternaba el piano en algunos clubes y tugurios de carretera entre 1885 y 1893. Se traslada a la ciudad de Sedalia en Missouri, una localidad donde la esclavitud de la raza negra fue mas dura y allí en los campos de algodón escribe su primera y exitosa composición titulada "Maple Leaf Rag". Años mas tarde, una versión de ese rag por el rockero, John Stark, vendió mas de setenta y cinco mil copias lo que constituyó un enorme éxito de ventas en el mercado afroamericano.
La mayoría de sus obras, escritas para pianolas, han desaparecido, entre ellas la famosa ópera: "A Guest of Honor", pero las que se conservan detallan con rigor la tradición musical afroamericana. Scott Joplin, ingresó en un hospital a consecuencia de la depresión que sufrió por el fracaso artístico y económico que representó su opera "Treemonisha". Allí contrajo la sífilis y murió en 1917. Nunca supo la influencia que ejerció sobre la música del siglo XX. Una de sus obras mas conocidas y populares lo constituyó el Rag titulado: "The Entertainer" utilizado varias veces en el cine y que fue la banda sonora de la película dirigida en 1974 por el cineasta, George Roy Hill y titulada "The Sting" (El Golpe).
La década de los cincuenta comenzó alumbrando su propio estilo inaugurando la segunda mitad del siglo XX con una música nueva que los hombres del jazz, bautizaron como "cool" -en ingles "fresco"-. La feliz colaboración entre el trompetista Miles Davis, y el compositor Gil Evans, determinó las aparición del llamado estilo cool. Al mismo tiempo, un pianista blanco llamado Lennie Tristano, mostró sus propias y todavía mas radicales soluciones de continuidad para el jazz moderno. Ambas aventuras, hermanadas con el bebop, tenían en común una expresa preocupación formal, así como un destacado protagonismo de músicos de raza blanca.
El corpus de toda esa música lo constituyen los doce temas de la versión completa del disco "Birth Of The Cool", continuamente reeditado y producto de pacientes y continuas sesiones de investigación e intercambio de ideas desarrolladas entre el compositor canadiense y el trompetista de Alton. Gil Evans, procedía musicalmente hablando, de la orquesta de Claude Thornhill y Miles Davis, y con tan solo 24 años, contaba con el privilegio de haber sido uno de los partners de Charlie Parker y un músico clave en el equilibrio de la música bop. La primera "tuba band" -después llamada Orquesta o Noneto Capitol-, actuó en septiembre de 1948 en el Royal Roost de New York durante dos semanas y despertó poco interés del publico y mucho entusiasmo por parte de la critica. Aquellos primeros escarceos todavía estaban influenciados por el clima nervioso del imperante bebop.
Las tres sesiones del Noneto Capitol grabadas entre enero de 1949 y marzo de 1950, capitaneadas por Miles Davis, pero donde la parte del león se la llevan los arreglistas y compositores, causó una impresión tan viva que fue inmediatamente imitada, sobre todo en la Costa Oeste de Estados Unidos cuya semilla germinó en uno de los dos pilares básicos de lo que se dio en llamar el "Wes Coast Jazz". El secreto de aquélla música, irrepetible no por la ausencia física de sus protagonistas, sino por que corresponde en un sentido histórico y estilístico a una época de recapitulación y reflexión sobre el acervo del jazz, era la perfecta ejecución en grupo, la disciplina de sus músicos, la imaginación en inventiva de los solos y el carácter reflexivo, lírico e introspectivo de la música. El cool dio al jazz una nueva visión musical de enorme importancia. Miles Davis
Birth of the Cool
Birth of the Cool marca un punto de inflexión en la historia del jazz: terminan los años 40, y un brillante trompetista llamado Miles Davis, cansado del jazz de las grandes formaciones, inicia un estilo totalmente diferente.
Davis reúne un conjunto de 9 músicos ('the Miles Davis Nonet', no me atrevo a traducirlo) y graba un disco fundamental, que influyó todo lo que vino después. Sonidos más fríos, más secos, que lo común hasta entonces.
En este disco aparecen músicos que incluso a un ignorante como el que escribe le suenan: Gerry Mulligan, Max Roach, Lee Konitz... y es el primero en que Miles Davis es el protagonista.
15 MÚSICOS Y 15 DISCOS REPRESENTATIVOS DEL COOL
MÚSICOS DISCOS SELLO DISCOGRÁFICO MILES DAVIS BIRTH OF THE COOL CAPITOL 1949/1950 LENNIE TRISTANO INTUITION CAPITOL 1949 GERRY MULLIGAN GERRY MULLIGAN WITH CHET BAKER PACIFIC JAZZ 1952/1957 JIMMY GIUFFRE THE JIMMIE GIUFFRE 3 ATLANTIC 1956 THE MODERN JAZZ QUARTET FONTESSA ATLANTIC 1956 LEE KONITZ VERY COOL VERVE 1957 ART PEPPER ART PEPPER + ELEVEN CONTEMPORARY 1959 GIL EVANS GREAT JAZZ STANDARS PACIFIC JAZZ 1959 STAN GETZ WES COAST JAZZ VERVE 1955 DAVE BRUBECK TIME OUT 1962 SHELLY MANNE AT THE BLACK HAWK, VOL 1 CONTEMPORARY 1951 HAMPTON HAWES HAMPTON HAWES TRIO. VOL 1 CONTEMPORARY 1955 CHET BAKER CHET BAKER IN PARIS EMARCY 1955/1956 STAN KENTON NEW CONCEPTS OF ARTISTRY IN RHYTHM CAPITOL 1952 WOODY HERMAN EARLY AUTUMN CAPITOL 1950 Fuentes jazz-vino-y literatura
(Filadelfia, Pennsylvania, 1927- Malibú, California, 1991) El saxofonista Stan Getz fue, a lo largo de su carrera, uno de los músicos de jazz más perseguido por la eterna manía de las etiquetas. Su gran popularidad como uno de los creadores del cool y sobre todo, el éxito mundial de su incursión en la bossa nova , le encasillaron para siempre. Su sonido, sin embargo, fue evolucionando con el tiempo y llegó a convertirse en auténtico ejemplo , hasta el punto que recibió el apodo de The Sound. Su primer éxito notable lo consiguió con otros tres saxofonistas tenores (Jimmy Giuffre, Zoot Sims y Herbie Stewart), con quienes integrarían los Four Brothers, una de las formaciones cumbre del cool a finales de los cuarenta, que participó tambien en la orquesta de Woody Herman. Durante la década siguiente Stan Getz lideró sus propias formaciones tanto en Estados Unidos como en Europa y debió afrontar diversos problemas de salud y legales. A pesar del notable reconocimiento del que disfrutaba y que le permitia grabar junto a los más grandes del jazz, su fama llegaría al abordar, a principios de lo sesenta, el género de la bossa nova junto a músicos como Charlie Byrd o Joao Gilberto y la cantante Astrud Gilberto, con la cual grabaría una celebérrima versión The Girl fron Ipanema, que daría la vuelta al mundo en pleno éxito de esa música brasileña que grandes figuras , como el compositor Antonio Carlos Jobim , difundirian con enorme fortuna. La bossa nova y sobre todo , la respuesta comercial obtenida, despertó el interés de numerosos músicos de jazz, pero Stan Getz se ha convertido en el paradigma de esa fusión. Aunque ya le sería difícil evitar las peticiones del público que seguía viéndole como adaliz del jazz samba, Stan Getz supo reconducir su carrera a nuevos terrenos en los que , junto a músicos como Chik Corea, Gary Burton o Bill Evans , pudo dar muestras del talento y personalidad que le caracterizan. DISCOGRAFIA Anniversary (live at copenhagen) vol 1 Serenity (Live at Copenhage, vol. 2) Una magnifica fiesta de cumpleaños que Getz celebró con esta excelente grabación recopilada en dos discos, para la que contó con un trio integrado por Kenny Barron, Rufus Reid y Victor Lewis. Espléndidos. The Peacoks Un disco excelente y repleto de sorpresas más que agradables que incluyen desde el piano de Jimmy Rowies al contrabajo de Buster Willians pasando por una intervención de Jon Hendricks. Line For Lyons Mano a mano gratificante de las dos figuras que habían aparecido como las grandes esperanzas blancas del jazz cool. Dos gatos viejos dando una buena muestra de su sabiduria. Live at Montmartre Vol1 Live a Montmartre Vol 2. Otro de los conciertos justamente délebres de Stan Getz, en el famoso club de jazz Montmartre de Copenhague, en 1977. Stan Getz & Bill Evans Uno de los discos que no deben faltar en una discoteca de Jazz . Una joya. The Brothers Los Four Brothers que hicieron temblar la orquesta de Woody Herman marcaron una época de la historia del jazz. Esta recopilación de temas, grabados entre 1948 y 1952, restituye parte de las razones de su celebridad. The Girl Fron Ipanema, The Bossa Nova Years Un estuche de cuatro compactos para los enamorados de la bossa nova.
Fuentes: la discoteca ideal del jazz. (Joan Riambau)
BluesEl Blues es un género musical de Estados Unidos. A las orillas del Mississippi, alrededor de 1900, en un barrio llamado Storyville (abarrotado de locales de música en directo), los esclavos compraban instrumentos a los militares estadounidenses. Estos esclavos no tenían conocimientos musicales y tocaban los instrumentos simulando la voz humana. Con ello desarrollaron nuevas técnicas. Así empezaron a surgir las primeras bandas. El blues nace, principalmente, en las plantaciones de algodón del sur de Estados Unidos. Los esclavos traídos de África cantaban los llamados hollers, worksongs o "canciones de trabajo" que más tarde se convertiría en todo un género musical, el Blues. Estas "canciones de trabajo" cumplían varios objetivos, como transmitirse mensajes secretos entre ellos o intentar aplacar el dolor y el sufrimiento que suponía trabajar en las plantaciones de algodón o en la construcción de carreteras y ferrocarriles. Es una composición de doce compases de estructura sencilla con ritmos sincopados, de temática diversa. El Blues ha nutrido al nacimiento y al desarrollo de numerosos estilos musicales de hoy en día: desde el Jazz y el Gospel, pasando por el Rock and Roll, hasta el Soul y el Rhythm & Blues. Definición: Melódicamente, el blues está caracterizado por el uso de la tercera disminuida y el acorde dominante (llamadas nota de blues o "Blue notes") de la escala mayor. El uso de las "blue notes" y el uso de la técnica call-and-response (donde un instrumento suena, después otro lo hace en forma de respuesta), fueron los patrones que le dieron la distinción. La escala de blues es muy utilizada en otros tipos de música, como la música popular, en las baladas e incluso en las orquestas. En cuanto a letra se refiere, el blues consiste usualmente en una línea repetida dos veces y en la tercera línea, una frase para rimar, por ejemplo: Historia: Las primeras formas de Blues evolucionaron en el delta del Mississipi, en el sur de los EEUU, a finales del siglo XIX y comienzos del XX. Esta música se caracterizaba por el uso de instrumentos similares como la guitarra acústica, el piano y la armónica (conocida como el harpa del blues). Las canciones tenían una estructura y forma diferente la cual podía ser de 4, 8 o 12 compases (Twelve bar blues), siempre basados en la tónica, subdominante y dominante de la tonalidad. El blues prácticamente hablaba sobre los infortunios del compositor, muchas de las primeras letras eran muy realistas, lo cual contrastaba con la música de la época. Hacia el 1908, aproximadamente, el blues comenzó a sonar en New Orleans interpretado, obviamente, por bandas blancas. Por estas mismas fechas, W.C. Handy, tomó el blues y lo hizo respetable, pues el estudiado músico y compositor, se aferró a él, y lo popularizó de tal forma que hoy se le conoce como uno de los "padres del blues". Handy fue uno de los primeros en transcribir y en orquestar blues como si fuese una sinfonía, con grandes bandas y cantantes. Hacia el 1917-20, el blues era ya una realidad en todo EEUU, ya formaba parte de la música popular norteamericana, y con el crecimiento de la industria, también hubo crecimiento de intérpretes tales como Blind Lemon Jefferson y Blind Blake, quienes grabaron para Paramount, entre otros... Hacia el 1940-50, el nacimiento de los instrumentos eléctricos, las ciudades como Chicago, Detroit y Kansas, eran populares por su blues, y artistas como Howlin' Wolf, Muddy Waters, Jimmy Reed, Little Walter y John Lee Hooker se convirtieron en inmortales. Pero para esta época, debido a la evolución del blues, el rock n'roll comenzó a nacer... La música blues, más tarde, se convirtió en una música de orgullo, en una música sinónimo de derechos civiles, de la libertad de expresión, muchos movimientos llevaban al blues consigo y esto consiguió que hubiese un resurgimiento, una vuelta a las raíces, y es cuando aparecen nombres como Eric Clapton, Canned Heat, Janis Joplin, Jimi Hendrix, influenciados por el rock, pero siempre retomando sus inicios, llevaron el blues a la gente joven. Intérpretes destacados Robert Johnson (Uno de los primeros Bluesman con talento. La leyenda cuenta como supuestamente hizo un pacto con el Diablo, en una encrucijada a medianoche, para tocar la guitarra como un maestro. Años más tarde, siendo joven aún, murió en extrañas circunstancias, lo que hizo que el mito del pacto con el Diablo tomara mayor relevancia). Howlin' Wolf Muddy Waters Freddie King Albert King T-Bone Walker John Lee Hooker B.B. King (Blues boy, este apodo surgió cuando estuvo trabajando en una emisora de radio en la cual él ponía música: sólo blues). Stevie Ray Vaughan (Bluesman por excelencia. Uno de los máximos exponentes de este estilo, caracterizado por la pasión de sus temas, un excepcional dominio de la guitarra eléctrica y la expresividad que demostraba en sus conciertos. Con su muerte, en un accidente de helicóptero, el Blues perdió a un gran guitarrista). Roben Ford Dr. John Taj Mahal Albert Collins John Mayall Eric Clapton (Slow Hand, este apodo surgió debido a que siempre era el que más excusas ponía para pagar las rondas en los bares). Bueno creo que la verdadera historia es que Slow Hand viene de una frase hecha: "slow hand clap" significa aplaudir a algo que te aburre... en definitiva más o menos quiere decir que en el movimiento de sus manos no se muestra esfuerzo. Mejor preguntad a alguien de procedencia inglesa. Otra posible procedencia de este apodo son las lentas palmadas con las que se acompañaba a Clapton mientras cambiaba las cuerdas de su guitarra en pleno concierto, algo común ya que solía romperlas debido a la furia de sus interpretaciones.
La mano izquierda va saltando , hace el bajo y una triada , usa casi siempre una triada , acordes diatónicos. La mano derecha va llevando una melodía con bastantes síncopas y algun contratiempo. Ver estos artículos: Síncopas. Contratiempos. Pinchar en teoría musical .(categorías). El rítmo es siempre igual, Bastante rápido. Las figuras que usan son corcheas y semicorcheas. Primero hay que hacerlo muy lento para ir luego más rápido.
La música que llamamos jazz, surgió bastante antes que el disco; sin embargo, desde el ultimo cuarto del siglo XIX, el jazz estaba incubándose en el estado sureño de Louisiana (EE.UU.) en torno a un proceso largo y complejo que intentaba superar la rigidez rítmica y adquirir el sello del swing. Uno de los elementos genealógicos mas decisivos junto al blues, que no ha dejado de estar presente a lo largo del jazz, fue el ragtime. Los rags, aunque se tocaban sobre toda clase de instrumentos, fueron esencialmente una especialidad de pianistas. Su apogeo se sitúa entre finales del siglo XIX y las dos primeras décadas del XX. Los rags era una música de procedencia europea con un estrecho parentesco con los bailes y marchas entonces en boga. En una época en la que aun no se había expandido el fonógrafo, los rollos de pianola sirvieron para difundirlo.
En realidad el ragtime no puede ser considerado como jazz. Los rags estaban totalmente escritos y excluían la improvisación, pero constituyeron un punto de partida clave para la aparición de los primeros estilos pianísticos de jazz, en particular el estilo stride. Los pianistas criollos y negros de aquella zona, cuyo eje geográfico era New Orleáns como consecuencia del cruce de culturas (española, francesa, anglosajona y africana) desarrollaron sus acentuaciones rítmicas y la independencia entre ambas manos sobre el teclado sirvió para comenzar a introducir variaciones. La incorporación de la tradición del blues y el hecho de tener que tocar para el baile favorecieron paulatinamente el desarrollo del piano-jazz, inequívocamente orquestal.
Corresponde a James Price Johnson (1881-1955) el merito de haber sido el máximo artífice entre la evolución del ragtime al jazz. Sus primeras composiciones de 1917 todavía se situaban en la orbita del ragtime, pero fue a partir de la grabación del celebre "Carolina Shout" -pieza que determinó la vocación pianista de Duke Ellington- cuando se distancia con sensibles diferencias de sus precedentes versiones en rollos de pianola. El jazz estaba ya preparado para experimentar el gran salto de una música bailable y entretenida a una manifestación musical de enorme potencial, y James P. Johnson sintió ya en los años treinta, que la música que hacia pertenecía al pasado, pero sus manos inspiraron, décadas mas tardes, a figuras del jazz de la talla de Fats Waller, Willie "The Lion" Smith, Count Basie, Duke Ellington, Art Tatum e incluso a Thelonious Monk.
Beethoven ha cambiado de ritmo . Una mezcla de la 5ª sinfonia con ritmos salseros mezclados con música clásica y jazz. Como diria aquel un combinado explosivo. A mi me gustan las versiones clásicas combinadas con elementos de jazz. Es para músicos muy avanzados. Habrá a quien no le guste pero este mundo es para innovar. Beethoven no creo que les hubiera dejado romper la 5ª sinfonia hacia nuevos ritmos modernos. Los habría denunciado a los tribunales por mal plagio. Escuchar la quinta en versión salsera, cubana , jazz:
El trompetista de jazz, Roy Eldridge, es a menudo considerado como el instrumentista eslabón entre LOUIS ARMSTRONG, el mejor trompetista de la era del SWING y de la historia del jazz, y el genial Dizzy Gillespie, el trompetista mas representativo de todo el jazz moderno. Aunque ésta consideración pueda parecer un desmerecimiento de los propios logros de Roy Eldridge como músico, lo cierto es que estamos ante uno de los grandes maestros del JAZZ Nació en Pittsburgh, aprendió música con su hermano mayor, el saxofonista, Joe Eldridge. Su primer instrumento fue la batería con apenas siete años de edad, pero desde el principio de su carrera profesional en 1927, adoptó la trompeta como su instrumento. Coleman Hawkins, el gran saxofonista tenor fue su primera y gran influencia. En los años veinte estuvo durante un breve periodo de tiempo en la banda de Fletcher Henderson, posteriormente se trasladó a New York para incorporarse a la formación de Teddy Hill en 1933. Un año mas tarde abandonó el grupo de Hill para trabajar con su hermano pero la experiencia fracasó y volvió con el director de orquesta en 1935, fecha en la que grabó sus primeros discos.
Su excitante forma de tocar le valió el reconocimiento de infinidad de músicos que querían a toda costa tenerlo en sus filas. Así, tras la banda de Henderson entre 1936 y 1937, siguió la de Gene Krupa, un batería absolutamente explosivo que le ayudó a consolidarse como la mejor trompeta de jazz en aquellos años. En 1944 firmó con la orquesta de Artie Shaw, un músico que luchó lo indecible por tener en su grupo blanco a músicos negros. Roy Eldridge, fue victima del racismo y tuvo que dejar la banda a pesar de los esfuerzos de su jefe por persuadirle.
En los años cincuenta, fue fichado por la organización de Norman Granz, y como tantos otros músicos formó parte de numerosos proyectos, giras, conciertos y grabaciones en el entorno del JATP. Allí permaneció hasta el final de su carrera siendo el sello Pablo, propiedad de Norman Granz, testigo de su éxito De Jazz,vino, y literatura Roy Eldridge dejó una huella imperecedera en otro trompetistas más jovenes, como Dizzy Gillespie o Miles Davis, que hallaron en este músico que derrochaba energía y talento una herencia a la que aferrarse y un referente más próximo a la modernidad que el que les ofrecía la casi paternal figura de Armstrong.
Discografía
After You¨ve Gone (un expléndido recorrido a través de la carrera de este mçitico trompetista).
Asi como un concierto no es igual en la época clásica que en la romántica, el jazz ha ido reflejando los distintos estados de ánimo de cada época: La alegría del ragtime corresponde a los años anteriores a la primera guerra mundial ; el estilo Chicago expresa la intranquilidad de los años 20; el swingmaterializa , con sus grandes orquestas, una estandarización de la vida de los años de la depresión; el be-bop capta la tensión de los años 40; el cool expresa la resignación de unos hombres que saben que les amenaza la bomba H; el hard-bop, de finales de los 50 y comienzos de los 60, acusa la protesta, la dureza y la insatisfación contra la discriminación racial. Los 60 traen el free. Naturalmente esta clasificación no suele complacer a los músicos del jazz, quienes afirman que elaborar una historia del jazz es matar su propio espíritu. El jazz aseguran, vive y muere con su vitalidad, y todo lo que esta vivo, cambia.
EVOLUCIÖN DEL JAZZ
1. Variantes corales de signo religioso durante la guerra de secesión (1863) Blues y spirituals, canciones de trabajo.
2. Primeros conjuntos instrumentales: Nueva Orleáns (1900-1920). Empleo de fórmulas sincopadas y armónicas elementales. Ragtime, Original Dixieland jazz Band y King Oliver. 3. Aparecen Louis Armstrong y Duke Ellingtong (1920-1930) Se enriquecen las posibilidades de los instrumentos. Sección rínmica-percusión mucho más imaginativa.
4. Gran depresión (1930-1940) Los blancos explotan. comercialmente , los hallazgos del jazz Chicago Style.
5. Aparece el be-bop (1940-1950) Charlie Parker
6. Jazz moderno a partir de 1950 Cool-jaz : Lee Kontiz, Lennie Tristano y Gerry Mulligan(blancos). Miles Davis, Sonny Rollins, John Coltrane (negros). Free-jazz: Ornette Coleman, Cecil Taylor, Charlie Mingus .
En los orígenes del jazz, la realidad y la fantasía se cruzan hasta un grado indiscernible. Y este es el caso de Jelly Roll Morton, (1890-1941) cuyo nombre verdadero fue Ferdinand Joseph LaMothe. Nacido en una familia de la pequeña burguesía criolla de la capital de Louisiana, se inicio en la música desde pequeño. En su adolescencia probó con la armónica, el tambor, el violín, el trombón, y la guitarra, hasta que finalmente se decidió por el piano. Realizo estudios intensos de solfeo y empleaba mucho de su tiempo para mejorar la técnica pianística para lo que recibió clases de Tony Jackson. Tras la muerte de su madre y la desaparición de su padre, Morton, vivió con su madrina que regentaba un prostibulo en New Orleáns y allí aprendió a tocar en publico y a llevar pistola al cinto. En aquel ambiente su juventud estuvo plagada de detenciones, encierros en la cárcel, varias condenas por delitos menores y hasta una fuga de la prisión.
En 1905 trabajó como pianista en el barrio de Storyville, centro de todos los tugurios y burdeles de la ciudad. Tras alguna composición exitosa, probó suerte en Chicago y mas tarde en California, ciudad que visitó cuando se celebraba la Exposición Universal de San Francisco. Emprendió una gira por el Sur con mas fracasos que éxitos, y en 1917 recaló en Los Ángeles donde se emparejó con un paisano de New Orleáns llegando a regentar un hotel. En 1923, le llegó la oportunidad de demostrar que si en lo relativo a su vida, fue un farsante, un pequeño granuja y un embaucador, en la música fue honesto, serio y riguroso. Descubrió en Chicago que allí se tocaba el jazz de New Orleáns. En junio de aquel año están recogidas sus primeras grabaciones, un par de temas al frente de un grupo irrelevante. Pero un mes después graba sus primeros solos de piano para el sello "Gennett" con lo que se inicia, hasta mediados de 1924, uno de los tres momentos estelares de su discográfica.
Los otros dos son las grabaciones en Chicago y en New York, al frente de sus "Red Hot Peppers" entre 1926 y 1928, y por ultimo las sesiones para la Biblioteca del Congreso Norteamericano en 1938, cuando Morton ya era una leyenda viva. Los solos de piano de Morton en 1923, constituyen el mejor testimonio de la transición entre el "ragtime" y el jazz propiamente dicho. La segunda cita de su intensa carrera, comienza a finales de 1926, cuando su editor, Walter Melrose, le consigue un contrato con el sello Víctor. Durante los nueve meses siguientes, con un grupo al que llamará los "Red Hot Peppers", grabará dieciséis piezas consideradas el mejor testimonio del jazz de New Orleáns en estado original. En 1928, Morton deja Chicago, donde pasó la etapa mas feliz de su vida, y se traslada a New York, el nuevo centro del jazz y allí descubriría que su música ya no era la mas avanzada. Hacia 1930, su estilo estaba pasado de moda y sus intentos por subirse al tren de la nueva música (el swing) fracasaron. solo fue hasta finales de la década de los treinta cuando fue redescubierto para el jazz.
Fue en 1938 cuando Morton trabajaba como pianista en "The Jungle" un modesto club de Washington, cuando fue reconocido por Alan Lomax, un musicólogo de prestigio, que convenció a Morton para llevar a cabo un ambicioso proyecto musical: enfrentarlo a piano solo, con una botella de whisky y un micrófono, para grabar para la Biblioteca del Congreso norteamericano y reproducir el estilo de colegas olvidados, y dejar el testimonio mas fiel de sus habilidades pianísticas en un documento sonoro y artístico irrepetible. Fue el canto de cisne de su carrera. Dos años después, en 1941, con la salud ya muy quebrantada, Morton murió en Los Ángeles tras un episodio de afección asmática.
Jerry Roll Morton y sus "Red Hot Peppers", continuaron el camino principal del jazz emprendido por Joe King Oliver y que luego continuaría, Louis Armstrong y Duke Ellington.
te lo agradezco mucho. 
El saxofonista Stan Getz fue, a lo largo de su carrera, uno de los músicos de jazz más perseguido por la eterna manía de las etiquetas. Su gran popularidad como uno de los creadores del cool y sobre todo, el éxito mundial de su incursión en la bossa nova , le encasillaron para siempre. Su sonido, sin embargo, fue evolucionando con el tiempo y llegó a convertirse en auténtico ejemplo , hasta el punto que recibió el apodo de The Sound. Su primer éxito notable lo consiguió con otros tres saxofonistas tenores (Jimmy Giuffre, Zoot Sims y Herbie Stewart), con quienes integrarían los Four Brothers, una de las formaciones cumbre del cool a finales de los cuarenta, que participó tambien en la orquesta de Woody Herman.
