El Ragtime

El ragtime
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Palestrina

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(Palestrina, actual Italia, 1525-Roma, 1594) Compositor italiano. Existe una leyenda de atribución incierta según la cual Palestrina salvó a la música polifónica, y a la música en general, del peligro de prohibición que pesaba sobre ella por parte de las autoridades eclesiásticas. En plena Contrarreforma, cuando muchas composiciones sacras no eran sino un pretexto para que los compositores levantaran los más complejos edificios contrapuntísticos –con el consiguiente descuido de la comprensión de las palabras de los textos cantados–, este compositor, con su Misa del papa Marcelo, devolvió a la música toda su pureza y todo su sentido.

Junto al español Tomás Luis de Victoria, el inglés William Byrd y el flamenco Orlando di Lasso, Palestrina marca la culminación del estilo polifónico. Su música, prácticamente toda ella de carácter sacro y a cappella, sin acompañamiento instrumental de ningún tipo, se distingue por su belleza desnuda, su profunda y serena espiritualidad y su severidad constructiva. No fue un autor innovador como su contemporáneo Lasso, sino más bien un tradicionalista que, a patir de los procedimientos y las técnicas usados antes que él, llevó a su culminación más perfecta y ortodoxa un arte que tenía sus raíces en la Edad Media, de tal manera que su obra representa el paradigma de tal proceder.

Nacido en un pequeño pueblo cercano a Roma, del cual tomó el nombre, la existencia de Palestrina se desarrolló prácticamente en la Ciudad Eterna. En 1537, a los doce años, era ya miembro del coro en la basílica de Santa María la Mayor, donde tuvo la oportunidad de familiarizarse con la obra de compositores de la escuela francoflamenca como Josquin Desprez y Jean Mouton.

Dados los progresos en su formación, en 1544 fue nombrado organista de la catedral de San Agapito de su localidad natal, Palestrina. Allí permaneció hasta que el cardenal-obispo del que dependía, Giovanni Maria Ciocchi del Monte, accedió en 1551 al solio papal con el nombre de Julio III y lo nombró maestro de la Cappella Giulia y miembro de la Capilla Sixtina. Fue la época en que dio a la imprenta su primer libro de misas, dedicado a su protector.
Esta situación duró hasta que en 1555 el nuevo papa, Paulo IV, lo apartó de sus cargos por su condición de hombre casado. Palestrina pasó entonces al servicio de la iglesia de San Juan de Letrán y, en 1561, a la de Santa María la Mayor. Compuso en esta época la más célebre de sus misas, la ya mencionada Misa del papa Marcelo, en la que consiguió plasmar los criterios de inteligibilidad en la música sacra requeridos por el Concilio de Trento. Tras unos años al servicio del cardenal Ippolito de Este, en 1571, reconocido ya como uno de los compositores vivos más importantes, fue readmitido en el Vaticano en su antiguo puesto de maestro de la Cappella Giulia. El fallecimiento de su esposa en 1580 le hizo pensar en tomar los hábitos, posibilidad que frustró su matrimonio al año siguiente con Virginia Dormoli, la acaudalada viuda de un comerciante romano.

Palestrina fue un compositor prolífico en el que cantidad y calidad no están reñidas. Su catálogo integra 104 misas de cuatro a ocho voces, cerca de 400 motetes, 66 ofertorios, 35 magníficats y 65 himnos, además de madrigales sacros y profanos, salmos y lamentaciones. De toda esta ingente producción, las misas son las obras en que más se evidencia el magisterio del músico. Unas veces construidas sobre un cantus firmus de procedencia gregoriana, otras basadas en temas procedentes de motetes o madrigales, tanto propios como de otros autores contemporáneos o, incluso, de canciones populares, obras todas ellas de una belleza imperecedera.
PALESTRINIANO
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Derivado del nombre de Palestrina y aplicado habitualmente al género de música que le es caracte´ristico, es decir: a todo el estilo vocal polifónico en uso desde fines del siglo XV hasta principio del XVI . No puede negarse que esta acepción no es muy exacta , pues dicho estilo fue formado principalmente por Josquin Després.
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Guido d´Arezzo

Guido d´Arezzo
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Religioso benedictino y célebre teórico musical italiano, al cual se atribuyen numerosas innovaciones en la escritura de la música y que pueden resumirse como sigue: reforma de la notación musical, creación de las claves y de las cuatro lineas de la pauta, dió nombre a las seis primeras notas de la escal (ut,re,mi,fa,sol,la) utilizando para ello las primeras sílabas de un himno deicado a San Juan Bautista, y que dicen:

UT queant laxis REsonare fibris
MIra gestorum FAmuli tuorum
SOLve polluti LAbii retum
Sante Ionnes.

Cuyo significado es : para que puedan nuestras voces cantar tus admirables hechos, guía tú los labios de tus siervos, !oh, San Juan! Además designó las distintas octavas con letras mayúsculas , minúsculas y dobles; impulsó la enseñanza del canto mediante el uso del monocordio; perfeccionó el sistema de lineas de colores para la pauta. Guido d´Arezzo tiene tambien un papel muy importante en la historia de la escritura polifónica , puesto que se pronunció contra los paralelismos del organum de Hucbald y formuló nuevas leyes (occursus) para las cadencias finales. Guido d´Arezzo expuso ante el Papa Juan XIX sus nuevas teorías , las cuales fueron aceptadas y recomendadas por el Pontifice. Ignórase con certeza el lugar de su nacimiento . Algunos le suponen nacido en Arezzo (Toscana), hacia 995. Murió en el convento camaldulense de Avellano del cual erá prior el 17 mayo de 1050.
Tiene obras que se encuentran en el CCodex bibliothecae Uticensis en Prís. un antifonario, un gradual y varios tratados de música.
HISTORIA DE LA NOTACION 1


HISTORIA DE LA NOTACION 4

Los modos

Los modos
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Se usa principalmente dos modo , llamados modo mayor y modo menor; éstos provienen de los modos gregorianos :JONICO Y EOLIO, aunque de menor uso tambien pueden emplearse los modos dórico, frigio, y mixolidio; los modos lidio y locrio son de raro uso ya que no contienen uno de los grados tonales .

Lo que deberías saber
Lo que deberías saber y nunca nadie te dice, es que cada modo se corresponde con un grado de la escala mayor
Jónico: I grado
Dórico: II grado
Frigio: III grado
Lidio: IV grado
Mixolidio: V grado
Eólico: VI grado
Locrio: VII
Es decir, un modo griego es una serie de escalas musicales que se puede construir si se usan las notas de una escala mayor cambiando el “punto de partida”


MODOS GREGORIANOS

El arte de la fuga por Forkel

El arte de la fuga por Forkel
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Una obra admirable, única en su especie, no apareció hasta después de la muerte de Bach , en 1752, pero fué en su mayor parte brabada durante su vida por uno de sus hijos. Marpurg, la más alta autoridad de entonces entre los escritores musicales de Alemania, acompañó esta edición con un prefacio que contiene muchas observaciones convenientes y justas sobre el valor y utilidad de obras de esta especie . Pero este Arte de la Fuga de Bach era sin embargo demasiado elevado para el vulgo; se vió obligado a refugiarse en el pequeño mundo habitado por pocos entendidos. Este pequeño mundo fué muy pronto provisto de copias; las planchas de cobre quedaron sin usar y fueron finalmente vendidas por sus herederos como cobre viejo. Si una obra de esta naturaleza , de un hombre de reputación tan extraordinaria como era la de Bach y recomendada además como algo extraordinario por un escritor que en esa materia gozaba de crédito general, hubiera aparecido fuera de Alemania, tal vez se hubieran agotado diez ediciones de lujo, aunque tan sólo fuera por patriotismo. En Alemania no fueron vendidas de tal obra ni siquiera el número de copias suficiente como para pagar con ello las planchas de cobre necesarias.
La obra consiste en realidad en variaciones en gran escala, pues la intención del autor era demostrar claramente cuánto es posible hacer con un tema de fuga.
Las variaciones que son todo fugas completas sobre un mismo tema, son llamadas aquí contrapuntos. La penúltima fuga tiene tres temas; en el tercero el compositor revela su nombre por
b a c h (Si bemol, La, Do, Si) . Esta fuga sin embargo fué interrumpida por la enfermedad de la vista del autor y como la operación no dió resultado, no fué terminada. Parece haber sido su intención tomar cuatro temas para la última fuga, invertirlos en las cuatro partes y cerrar así su gran obra. Todas las distintas especies de fugas incluídas en esta obra sobre un tema único tienen en común, sea dicho de paso, el mérito de que todas las partes son de un carácter cantable, y ninguna menos que la otra.
En reemplazo a lo que falta en la última fuga ha sido agregado al final de la obra, el coral a cuatro voces Cuando estamos en el mayor peligro:le realizaron a Bach dos operaciones de ojos sin éxito y que, sin embargo, minaron su constitución. Cuando parecía recuperarse, sufrió un ataque de apoplejía y, sin tiempo siquiera para redactar su testamento, murió el 28 de julio de 1750 Bach lo dictó pocos días antes de su muerte a su yerno Altnikol. No he de decir nada del arte desplegado en este coral; era este arte tan familiar para el autor que podía ejercerlo aún en su enfermedad. Pero la expresión de piadosa resignación y devoción contenidas en él me ha emocionado siempre que lo he tocado; tanto que dificilmente podría decir a cúal hecharía de menos; si a este coral o al final de la última fuga.

Madrigal : fa la

fa la
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Pequeña composición del género del madrigal, que estuvo muy en boga en Inglaterra hacia finales del siglo XVI y principios de XVII . Su origen italiano, La falalella,era una canción popular, que F.Bendusi trató a cuatro voces en una de la obras de su Colección de Bailes para el coro e instrumentos (1591). Probablemente sirvió de modelo a textos poeticos en los que el segundo y cuarto versos y el final de cada estrofa estaban constituidos por las silabas fa la; Gastoldi los puso de moda escribiéndolos a cinco voces en sus Balletti (1591), que fueron imitados por Thomas Morley, con letra inglesa (1595). De esto vino la costumbre de dar a los mismos fragmentos musicales el título de Fa las. Los de Jhon Hilton a tres voces (1626) fueron particularmente estimados. Un fa la a cuatro voces, de Jeremías Saville, impreso en 1673 , en Musical companion de Playford ha quedado como tradicional en las sociedades de canto britanicas.

La guitarra

LA GUITARRA
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Instrumento de cuerdas pulsadas,y mástil, cuya caja, formada por una tapa y un fondo planos, unidos por aros de la misma altura en todo su contorno, tiene la forma de un 8 con escotaduras redondeadas, muchos menos pronunciadas que las del violin y de los deás instrumentos de arco. El mástil está dividido en 19 trastesdestinado a la colocación de los dedos de la mano izquierda.
La cabeza o pala , muy ligeramente ensanchada , se inclina algo hacía atrás; la tapa armónica tiene en la mitad de su anchura un agujero circular llamado boca o tarraja, por encima de la cual pasan las cuerdas para fijarse en un puente transversal en la parte más ancha de la caja. Las dimensiones de la guitarra, el número de sus cuerdas lo mismo que su ornamentación y los detalles secundarios de su construccíón han variado según los tiempos y lugares. Como el laúd la gutarra es de origen oriental. sobre su introducción en Europa aparecen dos hipótesis. Según la promeradebió de ser un instrumento creado por loa árabes e introducido por ellos en Europa. Según la otra.expuesta por E. Pujol en la Enciclopedia de la Música , dos corrientes simultáneas coincidieron: una de origen grecorromano, por transformaciones sucesivas de la kethara griega a traves de la cítara romana y de la chrotta hasta determinar la guitarra latina conocida en España en el siglo XVII , y por otra vía los árabes determinando en la misma época la guitarra morisca. Una de las más antiguas representaciones en España figura en unas esculturas del Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela, que data de 1188. Se confirma la existencia tambien en Galicia, en el siglo siguiente, de varios tipos de instrumentos similares de cuerdas pulsadas llamadas más tarde en español vihuelas de mano , por oposición a la vihuela de arco. Tinctoris (hacia 1484) la menciona como propia de los catalanes. Cuando penetra en Inglaterra reinando Enrique VIII se le denomina gittern. Efectivamente en el siglo XVI , las diversas familias de instrumento de cuerdas pulsadasy mástil, guitarra, vihuela, laúd, tiorba, pandora, etc. son cultivados con predileccción en la Península Ibérica . El canónigo Mudarra (1546) en sus tres libros de cifra para vihuela , y Miguel Fuenllanan de Sevilla en su Orphenica Lyra (1554) incluyen diversas composiciones para guitarra. Bermudo en 1555, describe este instrumento como provisto de cuatro órdenes de cuerdas y algunas veces nuevamente de cinco. El tipo conocido en Francia en esta época, bajo el nombre de guitarra española, para la que Adrien Le Roy publicó cinco colecciones de obras (1551-1554) erá de cuatro órdenes de cuerdas. Introducida al mismo tiempo en Italia, según parece por Sicilia, la guitarra se aclimató más tardíamente en Alemania, donde la quiterna, de cuatro cuerdas dobles, mencionada por Praetorius (1619), no parece corresponder enteramente a su modelo genérico. Durante el siglo XVII la guitarra conservo su favor en Francia, pero sin poder disfrutar la preponderancia al laúd. Mersenne (1636) la describe como provista de cinco órdenes de cuerdas. El instrumento del violero Voboam que se conserva en el Museo de Cluny , responde a esta descripción .El más ilustre aficionado a la guitarra en el gran siglo fué Luis XIV , que había recibido clases de Jourdan de la Salle , y del cual la princesa Palatina decía que ejecutaba mejor que un maestro. Francisco Gorbetta , que había conquistado en Inglaterra su reputación de virtuoso , le dedicó su obra La guitare royal (1671). Hasta mediados del siglo XVIII se elogió el encanto que tenía la guitarra en manos femeninas y su mérito particular para el acompañamiento para el canto a media voz, que Lagarde y Jélyotte habían puesto de moda. Los violeros construyeron para los aficionados de altos vuelos los bellos instrumentos que se conservan en los museos y las colecciones y que están adornados de incrustaciones de nácar , de marfil, de concha y de maderas preciosas.
Cuando las didficultades de ejecución que presentaba el laúd hicieron que se abandonasen en Francia a este rival más rico, más potente, pero más exigente que la guitarra, algunos laúdes fueron transformados en guitarras-laúdes, instrumento híbridos de dorso abonbado con mástil y clavijero de guitarra. Dos conceptos de guitarra más aparente que reales habían tomado los epítetos de española y francesa; su afinación, salvo las variantes expuestas por ciertos maestro como Campion (1705) , era parecida, y la diferencia consistía en el orden asignado a las cuerdas, que se enumeraban en orden descendente en la guitarra española y ascendente en la guitarra francesa. Este orden, expuesto por la notación cifrada en tablatura , originaba la misma diferencia que existía para el laúd, según el sistema italiano o francés. Cuando fueron abandonados estos sistemas particulares de escritura, se adoptó para su traducción en notación musical la clave de sol, más conocida de la generalidad del público; pero en lugar de representar los sonidos reales, transportaba a la octava superior la música de guitarra.
La cuerda grave (mi) o sexta cuerda, le fué añadida a la guitarra por un violero alemán, según afirman ciertos autores, hacia 1790, y por el francés Marchal, según otros un poco más tarde. De todos modos , lo evidente es que en 1799, era ya conocida por el guitarrista español Ferrandiere, que hace mención de ella en su método. LLas cuerdas de la guitarra se pulsan con los dedos pulgar, indice, medio y anular de la mano derecha. Los dedos de la mano izquierda ejercen, como en todos los instrumentos de mástil,la presión necesaria sobre las cuerdas, en los espacios marcados por los trastes. Los sonidos armónicos se obtienen rozando la cuerda en su sitio correspondiente. Un guitarrista hábil logra en su instrumento matices delicadosde intensidad, efectos de velocidady ligereza y acordes de tres y más sonidos. La guitarra ha sido a veces introducida en la orquesta de ópera de manera pintoresca, sobre todo en la serenata de El Barbero de Sevilla de Rossini (1816) , y en la de Don Pasquale, de Donizetti (1843).Ha tenido virtuosos famosos como Fernando sor(1778-1839), Carcassi (1792-1853), Carulli (1770-1841) fallecidos todos en París. El reinado secular de la guitarra donde más se ha establecido y sostenido sin rivalidad es en la música nacional y popular de España. Sola o acompañando al canto o baile, sostenida de ritmos de taconeos y castañuelas, es la expresión típica y tradicional de un sentimiento de raza, sintesis de diversas influencias que los siglos han formado en varias parte de España y especialmente en Andalucia.Este aspecto importantisimo ha tenido sus admirables artistas, analfabetos intuitivos de la música , que han dejado una estela memorable de su paso con la creación de diversas melodías y rítmos, tales como el celebre Silverio, el maestro Ptiño, Paco de Lucena y otros. Algunos de los compositores españoles , como Albeniz, Granados , Falla , Turina etc. y otros extranjeros se han inspirado en esa tipic amodalidad para producir sus obras orquestales. Aunque la sonoridad de la guitarra no sea potente, sino más bien algo tenue, no ha sido obstaculo para que se manifestase en la sala de conciertos. La guitarra ha sido instrumento que ha venido cultivandose en España desde el siglo XVI ; tanto es así , que el primer método fué escrito por el doctor catalán Juan Carles y Amat, hacía últimos del siglo XVI, titulado: Guitarra española y vandola en las dos maneras , guitarra española y cathalana de cinco órdenes. Aguado y Sors, en la primera mitad del siglo XIX fueron los maestros que establecieron las bases de la escuela artística. La obra de ellos fué continuada más tarde por Huerta y Arcas. De todo este marasmo fué sacada en el último cuarto del siglo XIX por el famoso Tárrega, quien, al hacer suya la escuela artitica de sus predecesores enriqueció la literatura musical del instrumento con magníficas transcripciones de obras clásicas y composiciones originales de gran valos musical, convirtiendose la guitarra en instrumento intérprete de admirables páginas de Beethoven, Mozart , Haydn,Mendelshon, Berlioz, Schuman, Albeniz etc..- Tan magnífica obra fue continuada incansablemente por sus eminentes discípulos Llobet, Pujol, y Fortea, quienes vieron su obra secundada por otros ilustres concertistas españoles como Segovia, Romea, Sáinz de la Maza , Yepes, Tarragó, y otros contribuyendo todos a que la guitarra se mantuviera en la elevada jerarquia que tiene conquistada como instrumento de concierto, posición que ultimamente ha sido llevada a más encumbrado lugar por los compositores contemporaneos como ,Falla, Turina, Chavarri, Grau, Russell, Ponce , Broqua etc. y especialmente Castelnuovo Tedesco y Joaquin Rodrigo , quienes , elevándola a la categoria de instrumento sinfónico, han compuesto para ella dos conciertos del mayor interes..